昨天，期待已久的《我們的歌》第五季終於開播。
在目前已官宣的A組歌手中，飄又看到那張顯眼的熟悉面孔——大張偉。
當然，如今在內娛綜藝看到大老師的身影已見怪不怪，倒是很少見他如此流連於同一檔音綜，還連續參加瞭三季。
對此，他有自己的理由。
這就是屬於我的遊樂園
其實上一季節目大張偉就用開玩笑的口吻表白過——
別的節目對我來說是寬容
這個節目對我來說是縱容
區別在於，後者是懂“寵”歌手的。
的確，咱觀眾多少也算閱音綜無數，對於歌曲的重新演繹，多是換瞭音色的翻唱，而少精彩動人的改編。
而被歌手視為遊樂園，還“寵”出瞭不少新的經典金曲的節目，《我們的歌》還是頭一個。
作為一檔音樂類原創綜N代，做到第五季依然觸動人心，它的保鮮秘訣到底是什麼？
01
一個精彩的舞臺，自由度和創造力，往往缺一不可。
《我們的歌》最吸引人的一點，就在於它敢放手縱容歌手“玩”音樂。
跟往季一樣，節目規則是讓前輩和中、新生代歌手跨代合唱。
而這一季，節目組繼續“搞事情”，新增瞭直通舞臺的“電話搶人”玩法，在原本盲盒式配對的基礎上，增加瞭更多可能性。
沒想到的是，一個新規則也能被玩出笑點……還鬧瞭個烏龍。
庾澄慶剛表演完，還沒弄清規則的“迷弟”光良立馬搶占熱線，想尋求合作，殊不知歌手隻能跨代合作（倆人同屬前輩歌手），於是誕生瞭以下場面——
光良懵圈，哈林凝噎，觀眾樂翻。
不止規則，在這個節目裡，好音樂也是“玩”出來的。
由經典金曲打底，歌手的創意和靈感再錦上添花。
這也是它能吸引這麼多優質歌手的首要原因，尤其是本身喜歡嘗試不同曲風的歌手。
比如，庾澄慶。
被稱為“音樂頑童”的哈林，的確是樂壇一朵仙葩。
他是臺灣樂壇首位集詞曲、編曲、制作、演唱、彈奏於一身的六邊形唱將，出道伊始，在此前還在流行民歌之聲的80年代，他便開始融合歐美流行樂，做出更有節奏和律動的音樂，開創瞭華語樂壇的rap先河。
哈林早期的專輯裡，既玩過超前多變、同時編排流暢得像即興表演的復雜編曲，也做過極致深情的庾式情歌。
當同期其他歌手還在規規矩矩出專，他卻大膽啟用自己的虛擬形象，用變聲器把自己的聲音變成寶寶音，推出專輯《哈寶寶來瞭》。
果然還是你哈會玩。
實際上，早年在綜藝《超級星期天》的固定板塊“哈林夜總會”裡，哈林就過過一把改編癮，顯露瞭十足靈動的創作才氣。
如今的他，依然沒改“音樂頑童”本色。
第一期歌手盲配，哈林果斷選擇一種平時很少玩的風格——和符龍飛合作《悟空》。
這首融合瞭戲曲元素的歌其實演唱難度極高，連身經百戰的老唱將哈林都承認。
但倆人的合作依然讓人驚喜——
哈林沙啞低沉的嗓音，自帶一種老生的滄桑顆粒感，高音又飽滿有爆發力。
搭上符龍飛宏亮溫潤、聲韻清脆的小生戲腔，雖然沒合體彩排過，但聲音合在一起卻高度默契。
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如果說，哈林玩的是新風格的嘗試。
那大張偉玩的，則是一種舞臺張力。
看過前幾季的觀眾，大概都會對大張偉的改編玩法有一種意料之中的驚喜。
好怪，但又不意外。
不論是熱血搖滾版《忽然之間》，京韻大鼓相聲版《夢醒時分》，還是糅合瞭20種曲風、妙趣橫生的《我的果汁分你一半》，改編都很大膽，主打一個出奇制勝。
但這次，一向愛燥的“朋克偉”難得深情一回，和時代少年團馬嘉祺合唱一曲《Fly Me To The Moon》。
帶點慵懶小性感的大式深情，搭配馬嘉祺清亮的聲線和輕柔的咬字，給這首歌鋪上一層朦朧飄逸的美感。
兩個男人同臺，竟碰撞出瞭滿屏的浪漫泡泡。
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你會發現，他們玩歸玩，卻還總能玩出新鮮感和挑戰性。
玩音樂，其實是尊重音樂、突破自我的一種包容心態。
02
另一個吸引我的地方是——
《我們的歌》在做的，並非販賣情懷，而是屬於這個時代的“金曲秀”。
懷舊感動之餘，依然有讓人心頭一熱的共鳴。
對於我們這代人來說，這季同樣有記憶中熟悉的聲音。
比如情歌王子，光良。
試問當年誰沒一邊哼著“我願變成童話裡你愛的那個天使”，一邊為《童話》MV裡的故事流過淚？
聽《第一次》時，借著光良溫柔的嗓音，訴說純真初戀中的少年心事。
這類更擅長走心的歌手並非玩不起來，隻是他們的遊樂園藏在心裡。
好比第一期，光良在創作自己的AI自畫像時，就描述過一個坐在月球上的孤獨王子。
他說，像這樣一個人呆在自己的小小世界裡安靜思考，就是他一直以來的創作常態。
他們習慣獨自專註創作音樂，或用聲音和對歌詞的理解，將歌裡的情感和情懷準確傳達出來。
因此，即便時光變遷，他們的聲音依然能讓人共情。
這次光良搭檔陳卓璇和徐子未合作《流沙》，三人同屬溫暖聲線，但又略有不同。
陳卓璇清透，徐子未醇實，默契和聲恰到好處。
而光良幾十年如一日的清澈少年音一出來，更是瞬間把我拉回記憶中的某個夏天。
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當年這位內斂的理工男，其溫柔憂鬱的聲音常被用以表達少年心聲。
而另一位，臺下喜劇人，臺上一直是情感細膩的天生歌姬黃麗玲A-Lin，則常被用以宣泄成人式的悲傷情緒。
小時候聽《給我一個理由忘記》《失戀無罪》，那時的我們或許還消化不瞭歌詞的厚重，但在她情感飽滿的聲音中，卻大致能感受到一種暢快淋漓的情緒釋放。
和光良一樣，這次A-Lin和曾比特合作《記得》，也把自己的優勢發揮得淋漓盡致。
A-Lin還是擅長用飽滿的情緒詮釋歌曲的內涵。極具故事感的醇厚音色和帶著技巧性的轉音處理，道出瞭感情由濃轉淡的無奈和復雜。
而曾比特同樣厚實的嗓音和張弛有度的控制，則新添瞭一種松弛氣質。
當倆人的聲線搭在一起，便給這首歌註入瞭一股哀而不傷的力量感。
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正如正在適應節目玩法的光良所感慨的，“出道二十幾年還是有新的東西沒試過”。
跨代歌手的合作也不隻是音樂的單向傳承，而是雙向的討教和指教。
所以我更期待的，反而是這些本身風格鮮明的歌手。
畢竟這個舞臺，除瞭能讓歌手駕輕就熟地玩音樂，還有激發和挖掘音樂潛能的功能。
猶記得上一季周傳雄唱《鬥羅大陸》。
沒想到，平日溫柔儒雅的情歌教父，竟和張淇、蕭敬騰同臺玩瞭一把熱血搖滾，適配度極高，也著實給屏幕前的我們帶來極大的震撼和驚喜。
在跨代合作的規則下，誕生瞭一場場跨越時空的交流，歌手們自我開發也好，自我顛覆也罷，的確很難不讓人期待。
03
為什麼我們聽不膩經典金曲的新演繹？
說到底，並不是為瞭感懷過去，而是為瞭當下的自我慰藉。
在對經典的不斷發現中，用驚喜和新鮮感刺激和豐盈自己。
恰如第五季的主題，“一路為伍，向生綻放”。
不同時代都有音樂一路為伍，且留存著每個時代的印記，但我們可以通過註入新的理解，在熟悉的旋律中引發新的情緒共鳴。
因此，雖然節目做的是經典金曲的新演繹，卻不是在往回走，而是向前看。
如果說前幾季主題側重懷舊，這季則著眼於腳下的生活、生命和生機。
從選曲上看，《Fly Me To The Moon》是第一首在月球上播放的人類歌曲，在這個舞臺上，呈現出一種自由飄蕩在太空的呼吸感。
還有大張偉心心念念的那首《在路上》。
原來，大張偉執著於唱這首歌的背後，還牽扯出一個關於音樂初心的故事——
這首歌是大張偉的伯樂麥田守望者樂隊的作品，在這次重唱經典中，大張偉意在感激知遇之恩，回歸音樂初心。
更是為瞭傳達歌曲中“我喪失瞭我的理想，但仍遍地開放”的音樂力量，將當年被音樂擊中的美好瞬間獻給這個舞臺，以及如今的自己。
以前的大張偉，有點像塞林格小說《麥田裡的守望者》裡，同樣迷茫、矛盾、叛世的主人公霍爾頓，隻不過他找到瞭音樂這一表達出口。
因此聽這首歌的時候，總讓我想起大張偉15、16歲寫的《靜止》《破滅》《花》……那種少年也識愁滋味的苦悶表達。
不同的是，如今他的歌聲裡，那種少年直白的反叛已變成一種閱盡千帆後的坦然和自由。
拋開情緒宣泄式的編曲和唱法，隻是滿懷熱忱地唱著，搭配陳卓璇清甜幹凈的聲線，愈發真誠得動人。
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《我們的歌》的舞臺誕生瞭不少金曲，也見證瞭不少歌手的變化。
幾季下來，我們看到的，仿佛還是原來記憶裡的那些歌手，但又變瞭，且不知道接下來還會怎麼變。
整體而言，這季流淌著一股擁抱當下和未來的治愈暖意。
還沒匹配到搭檔的符龍飛，在聽完曾比特表演後，反而在撮合他和自己的理想搭檔哈林。
第一期徐子未抱憾離開舞臺之前，歌手們暖心鼓勵。留下來的，還有一個專屬於他的solo舞臺。
在這個舞臺上，歌手之間惺惺相惜，且無關輸贏，隻為作品。
到這，我也大概看懂瞭大張偉和這檔節目的互相偏愛。
他曾說——
我從小就覺得世界上有好多特別煩人特別討厭的事，多得跟星星一樣，但音樂就是太陽，太陽一出來星星就不見瞭，我一直希望我的歌能成為太陽，但太陽有時候會顯得過於直接，顯得有點刺眼。
如果說其他舞臺隻是呈現他的耀眼，那這場音樂狂歡，便是在包容他的刺眼，以及保護他那因為刺眼而可能畏縮的自信。
懂他那些難被常人理解，甚至連自己都不夠確定的奇思妙想。
都說忠於自己的美好這事非常難，但這群懂他的人，給足瞭他忠於自己的底氣。
不隻是歌手，《我們的歌》也是歌手和觀眾之間一座成年人的遊樂場，跨越年齡和身份，又以音樂為鏈接，聽聽故事、共享情緒、甚至感悟人生。
在這個容易自我禁錮的時代，每個人心裡也的確需要這樣一座種著音樂因子，適當縱容和寵愛自己的遊樂場。
撒歡也好，療愈也罷，或僅僅感知當下的感受，並向前跳脫出來。
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